Marguerite – une héroïne à la fois tragique et dérisoire…

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(Par Nicolas Colle) – C’est avec un film d’époque que le grand Xavier Giannoli nous revient cette année après son sublime «Quand j’étais chanteur» et son grandiose «A l’origine».

Il nous conte ici, au cœur des années 20 du siècle dernier, l’histoire de Marguerite, une femme fortunée qui voue une passion dévorante pour l’opéra. Voilà plusieurs années qu’elle est habituée à chanter devant son cercle social, qui lui a toujours caché le fait qu’elle chante complètement faux. Les enjeux dramatiques commencent alors à s’intensifier quand Marguerite prend la décision de se produire à l’Opéra, devant un vrai public qui ignore tout de son manque criant de talent.

A l’occasion de la sortie du film, Eurojournalist(e) a rencontré le réalisateur ainsi que l’interprète principal pour un entretien particulièrement riche et instructif – voici les meilleurs extraits.

Le personnage de Marguerite est inspirée de celui de Florence Foster Jenkins, une soprano américaine, mais sans jamais verser dans le film biographique. Vous teniez à procéder de cette façon, c’est à dire de vous inspirer d’un personnage authentique avant de créer une fiction autour de ce même personnage comme vous l’aviez fait pour «Quand j’étais chanteur» et «A l’origine» ?

Xavier Giannoli : En effet, selon moi, la fiction permet de retrouver quelque chose de la réalité des émotions. Je pense que c’est un personnage qui sort de l’ordinaire, elle était passionnée d’opéra, elle se donnait en spectacle avec une fougue, une émotion et une pureté incroyable même si elle ignorait qu’elle chantait incroyablement faux, jusqu’à ce qu’elle se produise devant un public qui a rit et elle est morte peu de temps après. Dès lors, on peut tirer les conclusions que l’on veut et l’imagination d’un scénariste permet de s’emparer de la réalité pour en faire un film.

Madame Catherine Frot, vous avez là un rôle à la fois complexe, fascinant et ambigu. C’est et ce sera probablement l’un des plus beaux rôles de votre carrière. Quel regard portez vous sur ce personnage ?

Catherine Frot : C’est un personnage très pure et d’une grande innocence. Mais elle est également plongée dans une grande solitude, du fait qu’elle vit dans une forme d’illusion. Mais ce qui m’a fasciné, c’est qu’elle tire une grande force de sa fragilité. C’est une héroïne à la fois tragique et dérisoire. J’ai joué beaucoup de personnages innocents, à la différence qu’ici, son innocence relève de la tragédie.

En plus d’être un film musical, il y a toute une dimension sociologique, politique et contemporaine qui résonne dans cette histoire. Monsieur Giannoli, vous êtes d’accord ?

X.G. : Parfaitement. C’est avant tout l’histoire de l’émancipation d’une femme. On est dans les années 1920, elle tente de s’arracher à l’ancien monde pour en découvrir un nouveau, elle veut s’affranchir de son mari et des règles classiques pour pouvoir s’exprimer et se sentir libre en faisant ce qu’elle a envie de faire. Elle a une aspiration vers une forme de beauté, de vérité et d’émotion. Ce qui en fait un personnage vivant et touchant. Je crois également que le film a une résonnance contemporaine, du fait qu’au fond, il est aussi question du mensonge. C’est un portrait sensible et affectif d’une femme à qui l’on ment et on se demande comment elle va réagir en apprenant la vérité. Tout ce qui se trame autour d’elle constitue une forme de spectacle, avec toutes ces personnes qui lui mentent soit par intérêt soit par lâcheté. Or, nous vivons plus que jamais dans cette société du spectacle, du mensonge et de l’illusion. Que ce soit à travers la télévision, la presse ou la politique, beaucoup de gens nous mentent et entretiennent l’illusion que l’on peut avoir de notre avenir. Ce qui peut nous permettre de nous arranger avec la réalité. Il faut donc trouver une certaine distance pour pouvoir raconter ce phénomène, et finalement en rire. Il se trouve que le cinéma permet cela. Il peut éveiller les gens sur cette ambiguïté, et à ce qu’est la réalité qui nous entoure et qui nous échappe.

Le film est vraiment très beau visuellement. Comment avez vous abordé son esthétisme ?

X.G. : Je tenais à être le plus libre possible et ne pas me retrouver prisonnier des codes d’une reconstitution banale. Je voulais que le film ait un style, une esthétique particulière, qu’il soit beau mais surtout crédible et juste par rapport à l’époque. Je pense que le style commence à exister vraiment dès lors qu’on commence à retirer des choses, plutôt qu’à accumuler des détails pour « faire années 20 ». J’ai donc essayé d’épurer les lignes et de garder ce qu’il y a de plus important pour moi, à savoir les acteurs. C’est eux qui vont incarner les émotions de l’histoire. J’ai abordé les costumes de la même façon, on a travaillé avec des pièces de l’époque, mais j’ai choisi les lignes de costumes qui étaient les plus simples et les plus en accord avec les acteurs. J’ai donc travaillé l’esthétique avec une grande volonté d’épure.

La musique tient bien évidemment une place de choix. Comment avez vous procédé pour choisir les différents morceaux ?

X.G. : Je voulais que le film traverse l’opéra mais aussi quelque chose de la musique et notamment, des musiques que j’aime et que j’avais envie de partager avec le public. On retrouve donc à la fois des très grands airs lyriques très connus comme «Casta Diva» et «La Reine de la Nuit»qui sont parmi les airs les plus célèbres de l’histoire de l’opéra. Et en même temps, je voulais aussi quelque chose qui se rapproche de la musique expérimentale de l’époque comme du Poulenc, du Honegger ou «Le duo des fleurs» de Léo Délibes. Je voulais interroger plein de musique et que le film soit une expérience sensuelle et sonore totale, qu’on soit devant des décors, des univers, des lumières et qu’en même temps, on écoute des sons, des musiques qui permettent aux spectateurs d’être surpris en permanence et d’être emmener dans un voyage cinématographique.

Ça doit être assez complexe de se dire qu’on doit traiter un personnage qui chante mal mais sans que cela soit dérangeant pour le public ?

X.G. : Evidemment, je ne souhaitais pas que le public ressorte de la salle avec les oreilles cassées. Il fallait trouver la bonne qualité de fausseté, ainsi que toute la poésie et l’émotion dans le carambolage vocal de sa voix. Cela devait être à la fois drôle, embarrassant et émouvant car il y a une vérité, une implication, une honnêteté totale de sa part. Je préfère ne pas trop divulguer comment nous avons procédé pour créer cette voix car je pense qu’il faut préserver le mystère, comme pour les films d’action où on préfère éviter de savoir si c’est bien le comédien qui a exécuté lui-même sa cascade ou non. Il y a un peu de la voix de Catherine, un peu de celle d’une vraie chanteuse, mais l’important c’est que l’on sente que c’est Marguerite qui chante et qu’elle ne triche pas.

Le film donne également la part belle aux personnages secondaires comme le majordome de Marguerite qui se plait à la photographier dans des tenues de grandes cantatrices. Et justement Catherine, que pouvez vous nous dire de ce personnage qui joue toutes ces scènes avec vous ?

C.F. : C’est un personnage ambigu et troublant, mais qui a beaucoup d’amour pour Marguerite. Il l’entretient dans son illusion. Elle est devenue sa muse. Il aime la photographier car cela lui donne l’impression d’être un grand photographe. Du coup, elle, de son côté, a l’impression d’être une grande chanteuse avec lui. Donc leur mensonge les arrange et leur permet, à tous les deux, de vivre dans cette bulle de folie.

Justement ces photographies sont incroyablement belles et paraissent très authentiques. Vous vous êtes appuyé sur quelles références visuelles pour les concevoir ?

X.G. : J’avais vu des photographies similaires à l’opéra, avec des cantatrices prenant des poses très majestueuses. Je voulais mettre en image le contraste entre la puissance de ces photos et le ridicule de la voix de Marguerite. Ce jeu auquel elle se prête l’entretient dans son rêve et lui permet de maintenir l’illusion qu’elle est une grande chanteuse. Cela témoigne du fait que l’on a tous besoin d’illusion pour vivre.

On éprouve également beaucoup d’attachement pour le jeune journaliste et la jolie cantatrice dont il s’éprend, même s’ils sont un peu en retrait par rapport aux autres personnages. Selon vous, qu’apportent-ils à cette histoire ?

X.G. : En musique, ils seraient ce qu’on appelle des contres points. C’est à dire qu’ils reprennent des éléments de la mélodie de l’histoire de Marguerite. Pour eux, il est surtout question de l’amour et du rapport de vérité que l’on a avec soi même. Le journaliste, par exemple, décide d’arrêter de se mentir et de quitter son travail afin de faire ce qu’il a vraiment envie de faire. Il quitte le mensonge social dans lequel il s’est enfermé et décide d’écrire pour lui, tout en prenant le risque de se heurter à la vérité de son désir. Donc, ces personnages permettent de faire apparaître quelque chose de Marguerite, de sa force, qui est qu’elle met les gens qui la côtoient face à eux même, par sa pureté, son innocence et sa profonde honnêteté. Tout son entourage pense la manipuler mais en fait, c’est lui qui se fait manipuler par elle, car elle oblige chacun d’entre eux à se demander qui il est vraiment et à quel moment de sa vie il se trouve.

Et que dire du personnage de professeur de chant, incarné remarquablement par Michel Fau ?

X.G. : C’est un acteur de théâtre considérable. Mon bonheur, c’est qu’il n’a jamais eu de rôle à sa mesure au cinéma. Dans ce film, on voit quelque chose éclater de son génie, de son insolence, de sa drôlerie et de sa folie. Il apporte une profondeur à son personnage qui est un homme seul, et qui joue au professeur dictatorial alors que ce n’est qu’un pantin.

Et le personnage du mari, on le sent désemparé face à l’attitude de son épouse ?

X.G. : En réalité, le film est avant tout une histoire d’amour entre un homme et une femme qui se cherchent et vont finir par se retrouver. En réalité, on comprend que le déraillement qu’il y a dans sa voix, c’est le déchirement qu’elle a dans son cœur. Elle crie son besoin d’amour et la seule fois où elle chante juste, c’est quand elle voit son mari qui semble la regarder avec un regard profondément amoureux pour la première fois.

Il y a quelque chose qui change tout de même dans ce film par rapport à «A l’origine» où l’intensité dramatique était à son comble puisqu’il s’agissait d’un homme qui mentait et trompait tout le monde, et on craignait qu’il soit démasqué. Ici, c’est l’inverse, c’est tout le monde qui ment à une seule personne. Cela changeait-il quelque chose pour vous en terme de dramaturgie ?

X.G. : Selon moi, il est question de la même chose. Ce sont des personnages qui vont se découvrir eux mêmes en découvrant le monde. Dans mes films, il est souvent question de personnages qui doivent négocier avec la réalité et faire face au mensonge de leur vie. C’est quelque chose de très humain et qui nous concerne tous. Je me souviens m’être demandé un jour : «Vaut-il mieux une vérité qui fait du mal ou un mensonge qui fait du bien?» Je crois que si je fais des films, c’est parce que je suis incapable de répondre à cette question. Pourtant, il s’agit de la grande question de nos vies. Je pense que nous sommes à la fois trop fragiles et sensibles pour se heurter à la réalité d’une manière trop brutale, et en même temps, nous sommes des êtres trop inquiets et exigeants pour se contenter qu’on nous mente. C’est justement là que le cinéma entre en jeu, car c’est un art d’émotion qui nous permet d’explorer ce trouble, sans pour autant avoir besoin d’apporter des réponses à tout.

D’où pensez vous que puisse venir ce besoin que vous avez à parler de l’humain qui se heurte violemment à la réalité du monde ?

X.G. : J’ai été un enfant très aimé et très protégé par mes parents. Et un jour, j’ai moi même découvert la réalité du monde, et j’ai compris que tout le monde n’allait pas forcément m’aimer comme mes parents. Ça peut paraître très simple mais il s’agit d’une émotion humaine fondamentale. Avec du recul, je pense que mes personnages sont souvent des enfants perdus, qui vivent dans l’illusion qu’ils sont constructeurs d’autoroute comme François Cluzet dans «A l’origine», ou chanteur de bal mondialement connu à Clermont Ferrand comme Depardieu disait de son personnage dans «Quand j’étais chanteur», ou encore cantatrice comme Marguerite. Mais autour d’eux, on ne les regarde pas avec la même bienveillance.

J’ai le sentiment que dans «Quand j’étais chanteur», il était moins question du mensonge que dans «Marguerite» ou «A l’origine» ?

X.G. : Pas aussi frontalement, en effet. Disons que dans «Quand j’étais chanteur», c’est un personnage qui se ment surtout à lui même depuis très longtemps. Il s’est, lui aussi, inventé sa bulle protectrice où il est une gloire locale et tout d’un coup, il y a un principe de vérité qui débarque dans sa vie, avec cette jeune femme trop jeune pour lui et qui le renvoie à son âge et à sa ringardise. Même si chez lui, cette ringardise constitue surtout une forme de noblesse et de dignité.

Voilà ce qui aura été pour moi, un grand moment d’interview, avec une rencontre très enrichissante, pour un film à la fois plein d’humour, d’émotion et de lyrisme. A noter que juste au moment de conclure, Madame Catherine Frot sort devant moi un carnet, et me récite une phrase pour le moins croustillante de Paul Léauteaud, que je crois bon de vous faire partager :

«Les actrices se croient généralement obligées, dès quelles jouent des personnages antiques ou mythologiques, de prendre des poses plastiques, hiératiques de s’amodier comme des prêtresses, elles veulent jouer aux vases grecs et font les cruches !»

Voilà qui est dit… Et bien dit !

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